En «The Electric State» de Netflix, una aventura de ciencia ficción dirigida por Anthony y Joe Russo, Millie Bobby Brown y Chris Pratt revitalizan una rebelión robótica en una versión alternativa de los años 90. Los robots, aunque basados en el diseño de la novela gráfica de Simon Stålenhag, no son precisamente novedosos en apariencia. A pesar de su diseño kitsch, el filme requirió un numeroso grupo de actores para la captura de movimiento, sumando un total de 175 robots.
Bajo la dirección del coreógrafo de movimiento y actor Terry Notary, el equipo de captura de movimiento superó en número a los actores principales. «Fue como un gran casting, intentando encontrar los personajes adecuados para el tono de la película», comentó el diseñador de producción Dennis Gassner («Blade Runner 2049») a IndieWire. “Y requirió mucho ensayo y error con el equipo de efectos visuales para que funcionara correctamente.”
La actuación mediante captura de movimiento se volvió crucial para transmitir las emociones de los robots conscientes. Entre ellos está el compañero de Brown, Cosmo (con voz de Alan Tudyk), inspirado en un personaje de dibujos animados con una cara pintada; el robot utilitario parlanchín de Pratt, Herman (con voz de Anthony Mackie), capaz de cambiar de tamaño; y Mr. Peanut (con voz de Woody Harrelson), el líder de aspecto animatrónico de la rebelión.
Sin embargo, el mayor reto para el supervisor de efectos visuales de producción, Matthew Butler («Ready Player One») de Digital Domain fue seleccionar la técnica de captura más apropiada. “Debido a la velocidad y adaptabilidad que los hermanos deseaban, optamos por la captura de movimiento con sensores basados en acelerómetros [de Xsens] en lugar de la captura de movimiento óptica más tradicional”, explicó Butler a IndieWire.
Los intérpretes usaron trajes con sensores inerciales que proporcionaban aceleración para calcular la velocidad y la posición. Esto permitió a los cineastas capturar los movimientos de los actores en entornos reales. “Esto te libera para que ahora puedan estar en el set sin sistemas complicados de fotogrametría”, añadió Butler.
Digital Domain, bajo la supervisión de Joel Behrens, fue el estudio principal de VFX, con ILM (supervisado por Russell Earl) encargándose de gran parte de la épica batalla final entre los robots y el ejército de drones del industrial Stanley Tucci. El robot más complejo, sin embargo, fue Cosmo, con su cabeza desproporcionadamente grande e imposible forma. Este necesitaba resolverse antes que nada, por lo que Butler organizó una prueba de captura de movimiento tradicional en Digital Domain para los hermanos Russo con la ayuda del director de animación Piotr Karwas.
Afortunadamente, la hija pequeña de Karwas estaba dispuesta a actuar como Cosmo en el escenario de captura de movimiento. “Queríamos que esta actuación inocente fuera transmitida por Cosmo”, dijo Butler. “Así que básicamente la hicimos realizar algunas actuaciones infantiles, capturamos ese movimiento y lo aplicamos a un proxy bastante rudimentario de Cosmo renderizado a través de Unreal Engine. Tenías este objeto de aspecto loco que ahora tiene toda esta hermosa actuación y todos quedaron contentos.”
Pero cuando finalmente recibieron luz verde, comenzó el pánico respecto a Cosmo. “Todavía había preocupaciones sobre su falta de destreza”, continuó Butler. “No solo tiene Cosmo una gran esfera por cabeza, sino que no puede hablar [aunque transmite una conciencia proyectada] y no puede gesticular con su rostro debido a una sonrisa permanentemente pintada. Todos pensaban, ‘Quizás debería tener cejas’. Decidimos honrar la cara pintada, sabiendo que se puede hacer mucho con mímica para expresar emociones, y los animadores tomaron esa limitación como un desafío.”
La atención se centró en el diseño del robot, que era caricaturesco hasta en las botas toscas. Butler dijo a los directores que necesitaban encontrar una forma de hacerlo mecánicamente factible. Consultaron con UCLA y Boston Dynamics y aprendieron cómo evitar que la cabeza gigante de Cosmo se cayera, reduciendo su tamaño y agregando bielas, pistones y motores paso a paso a su cuello y codos.
En una de las tomas iniciales en la habitación de Brown, hay un primer plano de los pies de Cosmo, donde se ven motores de tobillo que giran en sentido contrario. “Y hicimos este uso gratuito de pequeños LED por todas partes y cables eléctricos”, dijo Butler. “Comienzas con eso y los sonidos y la luz parpadeante, y piensas, ‘Ahora creo que estás haciendo las cosas más ridículas’.”
Luego encontraron una forma de agregar emoción a la cara pintada cuando Butler propuso diseñar las pupilas de sus ojos como cristal ahumado oscuro con una cámara detrás de ellas. El anillo de luz verde en la cámara les permitió luego animar un destello. “Como un Tesla, si miras las cámaras laterales, están ocultas detrás de un cristal ahumado”, agregó Butler.
En cuanto a Herman y Mr. Peanut, tuvieron sus propias limitaciones para superar. Herman presume de un diseño único en la película: su rostro parece una pantalla de tubo de rayos catódicos. “La parte divertida fue hacer la pantalla y descubrir cómo esa especie de degradación de los píxeles y la apariencia de esa pantalla de televisión clásica podrían tener una forma pseudo futurista”, dijo Behrens de Digital Domain a IndieWire.
“Y tomamos los diseños de Dennis y los hicimos sentir como si realmente pudieran existir en el mundo de la robótica”, continuó Behrens. “Tenían una estructura de articulaciones y mecánicas adecuadas que le permitían hacer lo que hace [aumentar de tamaño]. Así que tenía muchos pistones alrededor de su cintura que le daban un rango de movimiento bastante impresionante para un tipo pequeño.”
Mientras tanto, Mr. Peanut fue un desafío porque intentaron averiguar qué nivel de complejidad podrían tener sus expresiones faciales y animación. Digital Domain realizó una serie de pruebas que iban desde ser títere hasta completamente elástico como un humano.
“Descubrimos que empezaba a sentirse un poco caricaturesco y un poco espeluznante”, agregó Behrens. “Así que tomamos inspiración de esos viejos animatrónicos de Chuck E. Cheese y Showbiz Pizza. Suponemos que había una subestructura que permitía a Peanut tener ciertas expresiones y movimientos como su boca.
“Pero también queríamos que eso se sintiera limitado, como si fuera una base mecánica con una especie de caparazón elástico de látex envuelto alrededor con algunos condensadores y pistones que le permitieran hacer un ligero puchero o una ligera sonrisa. Por lo general, intentamos hacerlo sentir lo más robótico posible con la excepción de sus ojos, que queríamos mantener lo más humanos posible. Notarás que puede hacer movimientos rápidos con los ojos y mirar a la gente. Esa fue en realidad una propuesta de Jeff Ford, el editor, y todos estuvieron de acuerdo en que era un movimiento inteligente.”
“The Electric State” ya está disponible en Netflix.
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Especialista en el séptimo arte, Javier Cortés ofrece análisis claros sobre estrenos y obras maestras del cine. Sus recomendaciones te permiten tomar decisiones informadas para tus noches de cine.