Cómo ‘El Cerebro’ Descubrió la Nueva Inglaterra de los 70 en Ohio

El inicio de «El Cerebro» nos sumerge en un somnoliento museo de arte regional y nos deleita al ver a Josh O’Connor estudiando el lugar y robando una pequeña figura con la ayuda de los niños (Jasper Thompson y Sterling Thompson) de James Blaine Mooney (O’Connor), un hombre de familia desempleado cuyas charlas son encantadoramente disparatadas. La escena promete diversión. Promete un robo.

Sin embargo, Kelly Reichardt no ha creado una película de robos. Como es típico en la escritora y directora, ha realizado algo mucho más sutil y preciso, sobre un protagonista mucho más melancólico.

Al igual que la pequeña pieza que Mooney guarda y luego desliza en el bolso de su esposa Terri (Alana Haim), su plan para robar algunas pinturas de Arthur Dove es dolorosamente modesto, y la película sigue recontextualizando lo insignificante que es a medida que se desmorona el plan de nuestro hombre. Reichardt lo hace de varias maneras cinematográficas — la lenta disminución de la envolvente banda sonora de jazz de Rob Mazurek es realmente digna de la metáfora del sapo que hierve en agua — pero una clave es cómo la película crea su lugar y período: Nueva Inglaterra, y luego, más tarde, un viaje por carretera al corazón del país, en 1970.

Las películas de Reichardt suelen tener una fuerte sensación de lugar (véase: «Certain Women») y movimiento («Meek’s Cutoff»), o la falta de él («Wendy and Lucy»). En «El Cerebro», el diseñador de producción Anthony Gasparro fue responsable de transformar Cincinnati en una versión retro de Massachusetts con un presupuesto reducido de cine. Eligieron Ohio porque los alrededores de Cincinnati todavía tienen detalles que se han borrado del noreste contemporáneo.

«Puedes encontrar diferentes áreas donde todavía hay farolas colgantes, pero Anthony Gasparro y su equipo realmente hicieron mucho», dijo Reichardt a IndieWire en el último episodio del Filmmaker Toolkit Podcast. «Me gusta la pequeña ciudad industrial, donde la industria se va. Como, Worcester tenía un pequeño museo donde tendrías un museo en una ciudad. Eso es algo de la costa este… Había una biblioteca de I.M. Pei por alguna razón en Columbus, Indiana, donde vinieron estos modernistas. Ahí es donde filmamos el exterior del museo».

Gasparro y su equipo introdujeron muchos detalles y colores del período para evocar una sensación más de la costa este, y Reichardt y su equipo eliminaron muchas cámaras modernas y «muchas otras cosas» en la postproducción, como una forma consciente del presupuesto de configurar el escenario dramático que «El Cerebro» necesita. La película sigue pacientemente las cenas familiares insignificantes de Moody, rutinas aburridas, mentiras a sus padres (Bill Camp y Hope Davis), y sus maquinaciones por el pueblo, repitiendo ubicaciones y haciendo que el paisaje sonoro sea tan pacífico que te hace entender por qué Mooney se está rebelando contra los límites de una vida muy limitada e insatisfactoria. Pero luego, después del robo, Reichardt encuentra formas astutas de insertar una sensación del mundo más amplio, uno que Mooney ignora a su propio riesgo y que, eventualmente, lo alcanza.

«Me gustó la idea de hacer algo ambientado en Massachusetts», dijo Reichardt. «[En] el momento político de 1970 y estar en la neblina del final de los ’60s. Está Camboya. Hay peleas sindicales. El Weather Underground comienza a hacer explotar cosas. Es Kent State. Jackson tuvo un tiroteo. Entonces es un tiempo polarizador, pero también [el momento de] desilusión de los ’60s. Este personaje, creo, es alguien que se rebela contra su vida de clase media y capta los vapores de esa energía revolucionaria, [pero] solo por su propio beneficio».

Es esa perspectiva limitada y egoísmo lo que hace que mucho de lo que es divertido en «El Cerebro» sea realmente divertido, y lo que es desalentador acerca de Mooney tan frustrante. Pero enviarlo huyendo de las consecuencias de sus propias acciones le da a Reichardt y sus colaboradores la oportunidad de hacer lo que mejor saben hacer: descubrir la realización de películas mientras conducen en una camioneta.

«Sabes, hago muchos libros de imágenes para que todos comiencen en un punto de partida, y ellos comienzan a introducir imágenes y las paredes se llenan de imágenes y todos [las ven] — lo más difícil sobre COVID [fue] que las personas estén separadas y no estén en una camioneta juntas todo el tiempo. Cuando estás en una camioneta juntos todo el tiempo, hablas sobre todas estas cosas y miras un lugar y hablas sobre por qué no funciona y qué haríamos con él si lo hiciéramos, y todos están en esa conversación, y realmente es útil», dijo Reichardt.

Para escuchar la entrevista completa de Kelly Reichardt, suscríbete al podcast Filmmaker Toolkit en Apple, Spotify o tu plataforma de podcast favorita.