La oscuridad y la empatía en el cine de Guillermo del Toro
Guillermo del Toro es un cineasta que a menudo se asocia con lo oscuro y lo aterrador: fantasmas, vampiros, monstruos, demonios que llevan ojos en sus manos. Sin embargo, en el fondo, el querido autor mexicano es uno de los directores más sinceros y empáticos que existen, con un profundo afecto por sus personajes, especialmente por los monstruos retorcidos que crea. Aunque su obra está impregnada de influencias del terror, pocos de sus filmes —quizás con la excepción de sus primeras tres películas— se clasifican realmente como películas de horror.
Más bien, las películas de del Toro se entienden mejor como cuentos de hadas envueltos en una capa oscura, operando frecuentemente con la lógica narrativa y el alcance de una fábula antigua. En ocasiones, este enfoque resulta muy efectivo, especialmente en su aclamada película de 2006 «El laberinto del fauno», que combina una aventura de fantasía oscura con un drama doméstico en la España fascista. En otros momentos, su escritura es tan arquetípica que roza lo superficial, con escenas bellamente realizadas y un diseño de producción que lucha por sostener una narrativa débil.
Aun así, es difícil no simpatizar con del Toro y desear fervientemente su éxito. Sus películas, incluso cuando no funcionan, demuestran un verdadero amor y dedicación en cada fotograma. Es particularmente entrañable el sincero interés de del Toro por crear filmes sobre inadaptados y marginados, a menudo colocando a los monstruos típicos del cine en esos roles. A pesar de ser ahora un director ganador del Oscar y reconocido, las películas de del Toro aún conservan ese sentido de venir de un novato apasionado por el cine, y viven para trasladar esa pasión a la gran pantalla. Además, la forma que toman sus películas siempre es interesante, ya que ha experimentado con todo tipo de formas, desde ofertas artísticas en español hasta entretenimiento de acción menos prestigioso pero enormemente disfrutable.
Con «Frankenstein», la esperada adaptación de del Toro de la novela clásica del monstruo, ahora en cines selectos, IndieWire aprovecha para revisar la carrera del director y determinar cuál de sus películas funciona mejor como el cuento de hadas retorcido que ha pasado décadas tratando de perfeccionar. Esta lista solo incluye sus largometrajes: trabajos de televisión como su serie antológica de Netflix «Cabinet of Curiosities», el thriller de FX «The Strain», o la serie animada infantil «Trollhunters» no fueron incluidos. Con eso dicho, continúe leyendo para conocer cada película de Guillermo del Toro, clasificada de la peor a la mejor.
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“Pacific Rim” (2013)
La película más taquillera de del Toro es también, por mucho, su peor. Normalmente, es entretenido ver al director entregarse por completo al cine de género pulp y sensacionalista, y una película de mechas de del Toro parece que debería ser garantía de diversión. Pero «Pacific Rim» no es divertida en absoluto, y ha envejecido aún peor con los años. Gran parte de la culpa recae en el guion: no, una película sobre personas que pilotan robots gigantes para luchar contra un ejército de kaijus no necesita ser Shakespeare, pero ¿podría ofrecernos algo? Los personajes son clichés recalentados y mal desarrollados con poco encanto, y la mayoría del elenco parece perdido en sus roles. Pero el pecado cardinal de «Pacific Rim» es la acción mecha que la gente vino a ver; entre una coreografía de lucha poco imaginativa y una iluminación oscura que ahoga la acción, los enfrentamientos entre robots y kaijus son mucho más lentos de lo que son épicos.
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“Mimic” (1997)
Del Toro tuvo una experiencia miserable haciendo su primera producción de estudio, una película de criaturas sobre insectos modificados genéticamente introducidos en el sistema de metro de la ciudad de Nueva York que evolucionan rápidamente y comienzan a cazar humanos. Distribuida por Miramax, la película fue objeto de batallas creativas entre los jefes de estudio Harvey y Bob Weinstein y del Toro, quien en última instancia no obtuvo el corte final del proyecto. El resultado final no está totalmente desprovisto de méritos —como casi todas las películas de del Toro, al menos se ve bastante bien. Pero su narrativa es estándar y sosa; has visto alrededor de mil películas como esta, y probablemente cien de esas fueron mejores que «Mimic».
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“Frankenstein” (2025)
Del Toro adaptando «Frankenstein» es una de las combinaciones más obvias de director y material en la memoria reciente de Hollywood. Y sin embargo, «obvio» no siempre es algo bueno, y la puesta en escena poco emocionante e inerte emocionalmente de del Toro de la historia fundacional de Mary Shelley sobre un monstruo creado por el hombre puede ser la película más decepcionante de toda su carrera. Una de las adaptaciones más fieles de la novela original en la historia de Hollywood, hasta incluir la historia marco largamente ignorada, «Frankenstein» de del Toro aún falla en términos de las complejidades del libro, mostrando poco interés en Victor Frankenstein como algo más que un imbécil egocéntrico con un complejo de Dios y el monstruo como algo más que la víctima malinterpretada y simpática de su creador. Sus roles demasiado obvios y predeterminados, la relación entre estos dos hombres contiene tan poco del peligro y la incertidumbre que hizo que la obra de Shelley fuera cautivadora. Y mientras que Jacob Elordi aún logra ofrecer una actuación maravillosamente triste y conmovedora como el monstruo, Oscar Isaac está completamente varado, y su trabajo confuso como Victor deja a la película sin un centro convincente.
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“Nightmare Alley” (2021)
A pesar de toda la espeluznante oscuridad con la que se asocia, en el fondo, del Toro es un sentimental: se preocupa y ama demasiado a sus personajes como para hacer una película verdaderamente cínica. En otras palabras, es una muy mala elección para dirigir una película noir, lo que hizo que su decisión de hacer un remake del clásico de género de 1947 «Nightmare Alley» (basado en una novela) fuera un poco desconcertante. El resultado es relativamente fiel al sombrío relato original de un mentalista de feria ambulante (interpretado aquí por un sólido Bradley Cooper) en la América de principios de los años 40 que utiliza su encanto para engañar y estafar a los ricos, pero aún carece de la aspereza y el sentido de peligro que hace que el noir sea un género tan intoxicante. Todo parece un poco afectado y artificial, un estudio bellamente elaborado e imitación del aspecto y la sensación de los noirs clásicos que carece de su alma abatida.
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“The Shape of Water” (2017)
La película que le valió a del Toro su Oscar, «The Shape of Water», logra la hazaña desalentadora de ser mucho menos extraña o interesante de lo que debería ser una romance entre una mujer humana y un monstruo pez. Demasiado alegre y edificante, el romance de ciencia ficción es totalmente ligero en su construcción, demasiado poco concebido para dar a su metáfora de inadaptados y marginados que se unen un verdadero poder emocional. Sally Hawkins es maravillosa en el papel principal como Elisa, la muda, quien libera y se enamora de una criatura al estilo «La criatura de la laguna negra», pero, por exquisitos que sean los efectos especiales, el marinero de Doug Jones es más una idea que un personaje real. La verdadera historia de amor en la película es la que existe entre del Toro y la historia del cine: desde su construcción como un romance de la época dorada de Hollywood hasta las frecuentes escenas de los personajes en el cine, esta es una película que hace guiños al cine clásico, en lugar de mirar hacia adelante.
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“Hellboy” (2004)
La serie de cómics «Hellboy» de Mike Mignola siempre ha sido el universo de superhéroes más creativamente interesante e inventivo jamás plasmado en tinta, una saga de un medio demonio que lucha contra el mal en un mundo que toma libremente de Lovecraft y el folclore. Y la fiel y maravillosamente entretenida adaptación cinematográfica de del Toro traduce gran parte del atractivo de las historias más antiguas de «Hellboy» de Mignola a la acción en vivo, desde las visuales cinéticas y la acción inventiva hasta la ambiciosa construcción del mundo que hace que la película se sienta como una novela pulp de horror cobrando vida. Lo más importante, sin embargo, es que del Toro consiguió que Ron Perlman se maquillara de rojo para interpretar al personaje principal, y la actuación perfectamente ruda, empática y ruda del actor le da a la película suficiente gravedad para superar un poco el trabajo de origin story que la pesa.
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“Cronos” (1992)
La primera película de del Toro, «Cronos», establecería el precedente para el resto de su carrera de explorar el horror y la fantasía con verdadera inteligencia y reflexión. La construcción del mundo detrás de esta historia de vampiros es impresionantemente pensada y original, introduciendo un escarabajo de 400 años que otorga a quienes entran en contacto con él la vida eterna y la sed de sangre, y del Toro usa esta configuración para considerar hasta qué punto llegarán las personas por la inmortalidad, mientras un anticuario anciano (Federico Luppi) lucha con un matón (Ron Perlman) que intenta obtener el escarabajo para su rico tío, mientras lucha contra sus instintos vampíricos recién descubiertos. A los 28 años, del Toro ya era un estilista consumado, y hace de este relato dramático y satisfactorio un deleite visualmente sombrío y sangriento para los ojos.
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“Pinocchio” (2022)
La narrativa de del Toro debe tanto a los cuentos de hadas que su trabajo a veces puede amenazar con sentirse tan superficial como uno. No es de extrañar que cuando adapta un cuento de hadas real, sus instintos de escritura sean más una fortaleza que una debilidad. Tomando el cuento clásico de Pinocho, la película de del Toro en líneas generales sigue la plantilla de la novela italiana de 1883 en la que se basa, y muchos de los mismos ritmos que la legendaria película de Disney ya cubrió. Pero se ve increíble, realizada en un stop-motion texturizado que hace que las aventuras del títere parezcan un cuento de hadas inquietante, y también está inteligentemente actualizada, ambientada en el contexto del fascismo en aumento en la Italia posterior a la Primera Guerra Mundial, contrastando la maravilla ingenua del héroe con las duras realidades del mundo adulto. En este contexto, la sinceridad y el amor de del Toro por sus personajes resultan más efectivos, con un coda conmovedor que puede reducir al público a lágrimas.
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“Blade II” (2002)
La única película que del Toro dirigió sin recibir crédito por el guion, «Blade II» es quizás la única vez en la carrera del director donde fue un jornalero pagando sus deudas en lugar de aportar su propia visión a la vida. Pero la secuela de la icónica película de acción de cazador de vampiros de 1998 es una explosión total que supera al original, y la dirección de del Toro es una gran parte de lo que hace que la segunda salida de Wesley Snipes sea tan emocionante. El guion de David S. Goyer da un giro a la trama del original, siguiendo a Blade de Snipes mientras se une a regañadientes con un grupo de vampiros para combatir a un nuevo grupo de «Segadores», mutantes que planean un genocidio en ambas especies. Es una película tan estilosa como el abrigo largo de Blade y tan afilada como sus cuchillos, con diseños de criaturas inventivos y escenas que dejan claro que del Toro se está divirtiendo tanto como la audiencia.
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“Crimson Peak” (2015)
Del Toro siempre ha estado muy influenciado por el horror gótico en sus obras, pero «Crimson Peak» es la única vez que realmente ha hecho una película verdaderamente gótica, rindiendo homenaje a cuentos de fantasmas como «The Haunting» o «The Innocents» contando la historia de una joven (Mia Wasikowska) arrastrada por su nuevo esposo (Tom Hiddleston) a una mansión inglesa remota y melancólica embrujada por espíritus y secretos del pasado. Hay una competencia feroz, pero esta podría ser la película más visualmente impresionante de del Toro, con un vestuario y diseño de escenarios ornamentados envueltos en niebla espesa y atmósfera densa. Y la historia que cuenta logra ser material espeluznantemente convincente, especialmente gracias a la maravillosamente siniestra actuación de Jessica Chastain como la cuñada intrigante de la heroína, que toma el centro del escenario para el gran final de Grand Guignol de la película.
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“Hellboy II: The Golden Army” (2008)
Después de establecer el mundo de «Hellboy» en la primera película, del Toro tuvo la oportunidad de desatar toda su imaginación para la secuela, una explosión superior en todos los sentidos de imaginación excesiva que le permite aprovechar
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Especialista en el séptimo arte, Javier Cortés ofrece análisis claros sobre estrenos y obras maestras del cine. Sus recomendaciones te permiten tomar decisiones informadas para tus noches de cine.