«He dedicado gran parte de mi vida a intentar eliminar el trauma de mi cuerpo», dice la coreógrafa Celia Rowlson-Hall, cuya visión única del movimiento corporal revitaliza los principios fundamentales del movimiento Shaker en el emocionante drama musical histórico de la directora Mona Fastvold, «El Testamento de Ann Lee».
En los últimos quince años, Rowlson-Hall ha dejado su huella tanto en el escenario como en la pantalla, colaborando con personalidades desde Gaspar Noé hasta Lena Dunham, y en películas tan diversas en tono, trama y género como «After Yang» y «Smile 2».
Hace casi una década, Rowlson-Hall colaboró por primera vez con Fastvold y su socio creativo Brady Corbet en su drama musical «Vox Lux». A diferencia de su trabajo anterior en cine, donde participaba en una o dos escenas, «El Testamento de Ann Lee» requería una coreografía completa para toda la película. «Quería incorporar al film algunos de los pasajes que Mona había investigado», dijo Rowlson-Hall. «Bailaban toda la noche y continuaban hasta las seis de la mañana. Esa información fue realmente útil. Me hizo pensar, ¿cómo estaría el cuerpo después de bailar durante 10 horas?»
Escrita por Fastvold y Corbet, la película se centra en la vida y obra de Ann Lee, una líder espiritual visionaria de la Inglaterra del siglo XVIII que se creía la reencarnación femenina de Cristo. Interpretada con energía por Amanda Seyfried, Lee fue miembro fundador del movimiento Shaker, que más tarde se estableció en Nueva Inglaterra tras buscar la libertad espiritual al otro lado del océano Atlántico.
«La película trata sobre el movimiento de cierta manera», explicó Rowlson-Hall a IndieWire. «La forma principal de esta religión es el movimiento y el canto». Aunque había documentación escrita con descripciones de sus danzas, el movimiento Shaker existía casi cien años antes de la llegada del cine. «Eso me dio la libertad creativa para imaginar cómo habría sido», comentó Rowlson-Hall. Añadió que existen algunas «obras de arte hermosas de los Shakers en adoración una vez que están en América», mostrándolos «haciendo estos espirales muy ajustados y circulares, que recreé al final de la película. Pero eso es realmente todo lo que tenía para comenzar. Así que fue mucho más una inmersión creativa profunda para mí».
Rowlson-Hall comenzó a trabajar en la coreografía de la película hace dos años, inicialmente en pruebas cortas en enero de 2024 antes de que la filmación comenzara en Budapest en mayo de ese mismo año. «Tuve una semana para armar todas las danzas», dijo. Aunque el plazo fue intenso, pudo crear estructuras para todas las danzas. Después de llegar a Budapest, finalmente comenzó a trabajar con el elenco principal y los bailarines. «Todo cambió», recuerda, agregando, «Cuando fuimos a la ubicación real de filmación, todo cambió, de nuevo».
Al crear con un actor o bailarín en mente, Rowlson-Hall comienza con una pregunta: «¿Qué está atravesando su personaje y cómo puede la danza llevarlos al siguiente lugar?» Se siguen más preguntas, añade Rowlson-Hall, como «¿Están atravesando pena? ¿Están atravesando alegría? ¿Qué quieren? ¿Qué necesitan en este momento?» Encuentra que estas preguntas son útiles para el actor porque saben que no están simplemente haciendo movimientos de danza, «Se mueven con una intención tan específica que», dijo Rowlson-Hall, «es casi como si no estuvieran bailando».
Un gran ejemplo de este ethos ocurre durante el viaje del grupo desde Inglaterra hasta Estados Unidos. «Sabía muy bien que esa secuencia iba a ser la danza más exigente», dijo Rowlson-Hall. Filmada a bordo de una réplica operativa de un auténtico barco del siglo XVIII, el Götheborg de Suecia, la secuencia muestra a Lee y su congregación adorando a través del movimiento diariamente en la cubierta del barco, llueva o haga sol. Mientras los Shakers son despreciados por la tripulación del barco y azotados por violentas tormentas a lo largo de su arduo viaje marítimo, Fastvold mantiene su cámara tan centrada y estable como los mismos adoradores, con sus cuerpos moviéndose dentro y fuera del cuadro mientras rezan.
Rowlson-Hall sabía que la coreografía aquí necesitaba ser precisa y limpia porque, como recordó, «íbamos a pasar de sol, nieve, viento y lluvia. Sabía que esos eran los cortes duros que [Fastvold] quería hacer, y por lo tanto el movimiento no podía tener ese tipo de fluidez, o no obtendrías una edición limpia». Rowlson-Hall también sintió que el movimiento aquí necesitaba sentirse como un ejercicio militar, o alguna otra acción repetida como caminar o andar en bicicleta, que se vuelve tan rutinaria, «que ya no tienes que pensar en cómo hacerlo», dijo, añadiendo que la editora Sofía Subercaseaux «encontró una edición hermosa en esa danza».
Rowlson-Hall también tuvo en cuenta que en la historia, los actores y bailarines no interpretan a actores y bailarines; son personas ordinarias que usan el movimiento en su adoración. «Ya sea que sean un herrero o trabajen en un molino», dijo Rowlson-Hall, «son personas que usan sus manos. Pensé mucho en mantener la parte inferior del cuerpo arraigada aquí, en la tierra, y la parte superior del cuerpo está teniendo la conversación con Dios». Instruyó a los bailarines para imaginar que sus manos son como «antenas hacia Dios» y que no deberían hacer el movimiento hasta que tuvieran algo específico en mente de lo que están pidiendo recibir o de lo que están pidiendo dejar ir», dijo.
Esta orientación se puede ver en la escena más física y emocionalmente exigente de Seyfried, un montaje en el que Lee da a luz cuatro veces diferentes, cada una terminando en la muerte de su hijo mientras aún es un bebé. En una secuencia anterior, Lee cree haber encontrado la libertad y el amor con un compañero Shaker llamado Abraham (Christopher Abbott). Seyfried canaliza el éxtasis de su unión con movimientos alegres, una sonrisa en su rostro. Esto contrasta luego con el peso de este trauma, que la tira al suelo, retorciéndose de dolor, en busca de una nueva forma de liberación.
Al concebir la coreografía para esta secuencia, Rowlson-Hall pensó mucho en cómo el cuerpo almacena todo lo que atraviesas. «Somos solo estas esponjas», dijo. Aunque eventualmente encontró la libertad a través de su fe, Lee es una mujer que, según Rowlson-Hall, «nació en este mundo que no le da nada». Su trauma se intensifica entonces por la pérdida de sus hijos y su dolor persistente.
Mientras trabajaba en el número estelar de Seyfried «Hambre y Sed», interpretado en un asilo donde Lee ha sido encerrada después de sufrir un colapso tras la muerte de su cuarto hijo, Rowlson-Hall dijo que solo podía hacer la danza una vez antes de sentir que «iba a vomitar o empezar a llorar», recordó, «porque si realmente me detenía a pensar en lo que estaba atravesando… Es simplemente demasiado, ¿y qué haces con eso?»
La ironía de que Lee y sus compañeros Shakers usaran el movimiento para ascender más allá del trauma infligido en sus cuerpos no se pierde en Rowlson-Hall, quien compartió, «Siempre he usado la danza para tratar de trascender, para salir del cuerpo», pero dijo, «tienes que usar el cuerpo para salir del cuerpo, pero para salir del cuerpo, tienes que entrar aún más en el cuerpo».
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Especialista en el séptimo arte, Javier Cortés ofrece análisis claros sobre estrenos y obras maestras del cine. Sus recomendaciones te permiten tomar decisiones informadas para tus noches de cine.