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¡Ah del barco, camaradas! Y bienvenidos a otra emocionante entrega de «En Revisión». En las últimas dos semanas he viajado extensamente por este país para traerte las opiniones más frescas sobre las nuevas películas de otoño, aunque la mejor de ellas — con diferencia — fue la que vi en el exótico AMC de la Calle 34 (más bien, Una Escalera Mecánica Tras Otra, ¿verdad?).
Aquí hay cinco cosas que aprendí en mis viajes:
Mona Fastvold y Brady Corbet están reescribiendo las reglas
Cuando «El Brutalista» irrumpió en el circuito de festivales el año pasado, parecía algo así como un unicornio — además de una venta casi imposible. Doce meses, 10 nominaciones al Oscar y un cuasi-musical rapturante después, parece una nueva fórmula para el éxito. ¿Cómo seguir después de un drama histórico épico sobre un europeo traumatizado que navega a América y construye su propia iglesia? Haces otro, por supuesto.
Las similitudes entre los futuros proyectos de Mona Fastvold y Brady Corbet pueden no rimar tan claramente como entre «El Brutalista» y «El Testamento de Ann Lee», pero lo más emocionante de este uno-dos no es tanto su superposición temática como su sentido compartido de escala y auto-posición. En un momento en que Hollywood es alérgico a los riesgos y físicamente incapaz de hacer algo que cueste menos de $100 millones, el hecho de que Fastvold y Corbet hayan dirigido películas hermosas, amplias y creativamente libres por una fracción de ese costo en Hungría parece un nuevo camino a seguir. Claro, ese modelo requiere el tipo de celo y ascetismo más asociado con un movimiento religioso que con un set de filmación, pero «El Testamento de Ann Lee» no es sino un ejemplo ideal de cómo se hace.
Los proyectos de pasión son una espada de doble filo
La mayoría de las buenas películas tardan un minuto en hacerse, pero este otoño vimos los estrenos de varias películas que habían estado marinándose durante décadas. Quiero decir, Guillermo del Toro probablemente estaba lanzando su «Frankenstein» a otros niños en medio de la clase durante primer grado, donde su maestro lo obligó a escribir «No simpatizaré con los monstruos» en la pizarra 100 veces como castigo.
Pero el momento es todo, y a menudo solo parece que todas las piezas están encajando. Por un lado, Park Chan-wook fue debidamente recompensado por esperar 20 años para dirigir «No Otra Elección», ya que su adaptación de Donald Westlake — sobre un hombre tan desesperado por otro trabajo en su campo que asesina a los otros candidatos — es perfectamente adecuada para el pivote mundial hacia la IA. Lo mismo ocurre con Laura Poitras, quien había estado tratando de hacer un documental sobre Seymour Hersh desde al menos 2005, pero no logró desgastarlo hasta que los eventos mundiales — específicamente el genocidio en Gaza — le proporcionaron el material que necesitaba para pintar la carrera de su sujeto como periodista de investigación en un retrato más amplio y condenatorio de la malicia estadounidense.
Por otro lado, a del Toro no le han hecho ningún favor soñando con «Frankenstein» durante tanto tiempo; su amor por el material es sagrado e incuestionable, pero se transmite más palpablemente en cómo habla sobre la novela de Mary Shelley que en cualquier parte de la película que ha hecho a partir de ella. Jabonoso, amplio y de aspecto tan barato a pesar de su presupuesto que me fue difícil apreciar la belleza trágica del monstruo de Frankenstein (lloro por lo táctil que podría haber sido esta película si del Toro la hubiera hecho antes de asociarse con el cinematógrafo Dan Laustsen para «Cumbre Escarlata» y comprometerse con una serie de barnices digitales cada vez más chillones), este proyecto de pasión más apasionado sería tan fácil de confundir con cualquiera de los otros góticos CGIsores de los últimos 25 años que bien podría estar cosido de las partes sobrantes de «Van Helsing». Creo que hubo un tiempo en que del Toro habría reconocido tanto, pero el dinero y la tecnología a su disposición lo han hecho perder de vista el elemento humano que lo atrajo a esta historia en primer lugar.
La mayoría de los distribuidores todavía tienen miedo de Palestina
A principios de este verano, escribí sobre el destino de «Sí» de Nadav Lapid, y cómo su desaparición post-Cannes parecía sugerir que los festivales y distribuidores tenían miedo de películas que se atrevieran a enfrentar la atrocidad moral más transparente de nuestros tiempos: el genocidio en Gaza (Kino Lorber ha adquirido desde entonces los derechos de EE. UU. para «Sí», y lo lanzará aquí a principios de 2026). ¿Hicieron Telluride, Venecia o TIFF algo para mejorar la situación? Bueno, sí y no.
Telluride, un festival maravilloso cuya necesidad de complacer a sus patrocinadores lo ha visto volverse sutil pero preocupantemente menos aventurero en su programación, no proyectó muchas de las películas recientes que tienen el genocidio como su tema principal («Cover-Up» toca Gaza con gran propósito, pero solo de pasada). Entre una alineación que estaba absolutamente repleta de documentales sobre todo, desde la Revolución Americana hasta la realización de «Megalópolis», y todos, desde E. Jean Carroll hasta Elie Wiesel, me decepcionó no ver «Pon tu alma en tu mano y camina», y solo tomé una medida incierta de consuelo en el hecho de que Telluride eligió proyectar «Shooting» de Netalie Braun, una película israelí autorreflexiva sobre cómo el militarismo desenfrenado del país ha envenenado su cine (no pude verla yo mismo, pero las reseñas de la película en Letterboxd suenan apropiadamente condenatorias).
[Nota del editor: «Todo lo que queda de ti» también se proyectó en Telluride, y será distribuido por Watermelon Pictures. IndieWire lamenta el descuido].
TIFF, que pisó rastrillo tras rastrillo en el proceso de estrenar «El camino entre nosotros: el rescate último», un documental «inspirador» del donante de TIFF Barry Avrich sobre un hombre israelí que salvó a su familia de la violencia del 7 de octubre, al menos proporcionó un lugar para los estrenos en América del Norte del destacado de Venecia «La voz de Hind Rajab», así como el destacado de Locarno «Con Hasan en Gaza» y el apasionante drama histórico «Palestina 36». El festival también, si no por su propia voluntad, fue anfitrión de una protesta ruidosa y desafiante frente al Lightbox la noche del domingo pasado, lo que hizo más para hacer que TIFF pareciera relevante y en conversación con el mundo que la mayoría de las películas que vi allí.
Y, sin embargo, de todas estas películas, solo «Pon tu alma» y «Palestina 36» tienen distribución, pero Kino Lorber y Watermelon Pictures — este último de los cuales casi exclusivamente lanza películas de o sobre Palestina — no se puede esperar que sean el único salvavidas del cine estadounidense para el país. («El camino entre nosotros» se lanzará en más de 1,000 pantallas en octubre). Cruzando los dedos para que «La voz de Hind Rajab», «Con Hasan en Gaza» y «Cover-Up» encuentren hogares adecuados pronto, incluso si solo bajo los auspicios de la temporada de premios.
La ambivalencia está fuera, la emoción está dentro
No quiero hacer ningún anuncio general basado en evidencia anecdótica, una muestra muy pequeña y mis propios prejuicios personales (es broma, soy un crítico de cine, eso es prácticamente mi cosa favorita de hacer), pero en un momento en que ser insensible al mundo es a la vez un mecanismo de supervivencia y una abdicación moral, los festivales hicieron parecer como si hubiera un nuevo premio por las películas que te hacen sentir cualquier cosa fuertemente, incluso si solo es a través de la fuerza bruta.
Como un cínico introvertido cuyo amor por las películas probablemente se pueda explicar en algún nivel por el hecho de que sentarme en la oscuridad me permite estar presente pero no percibido, naturalmente luché con la insistencia de Chloé Zhao en liderar a cada audiencia del estreno de «Hamnet» en la misma rutina de atención plena que dirigió para el elenco y el equipo en el set cada mañana. Tomar respiraciones profundas, mirar a la persona a tu lado a los ojos, poner tu mano en tu corazón, ese tipo de cosas. No estoy orgulloso de decir que tuvo el efecto contrario al previsto en mí, haciéndome sentir más vigilado y consciente de mí mismo que menos (aunque como alguien a quien le han recetado estimulantes para hacerme menos hiperactivo durante los últimos 20 años, estoy acostumbrado a ese tipo de contraintuitividad).
Menos de una hora después, estaba llorando tan fuerte que la mujer a mi lado comenzó a parecer preocupada. Quizás fue el aire de la montaña, o que extrañaba a mis hijos, o que «Hamnet» resonó conmigo como la historia de un escritor que se va de viaje de trabajo que lo deja incapaz de detenerse o ser testigo de una tragedia en casa (Twittear sobre películas en Telluride es básicamente lo mismo que escribir «Macbeth» en el Londres del siglo XVII y no te atrevas a sugerir lo contrario), pero me olvidé de mí mismo por el resto de la película.
Me olvidé de que estaba en público, y que dejarse completamente abierto al dolor de los demás puede ser una experiencia paralizante en estos días. Incluso me olvidé de que Gracie Abrams estaba sentada justo detrás de mí. «Hamnet» nunca será acusado de tener un toque ligero (mi reseña acusó al llorón de «cultivar a los espectadores por humedad»), pero me encontré inesperadamente agradecido por la negativa de Zhao a contenerse, y por cómo la sentimentalidad casi pornográfica de su película invitó a su audiencia a participar en el mismo tipo de transferencia emocional que Will Shakespeare y su pobre esposa Agnes experimentan hacia el final de la historia.
No es coincidencia que «Hamnet» se haya quedado conmigo, se haya hundido más en mis huesos, incluso, en el transcurso de los días siguientes, mientras que el labio superior rígido de «H Is for Hawk», la ambigüedad inquisitiva de «After the Hunt» y la nostalgia inerte de «La Grazia» hicieron que fuera mucho más difícil involucrarme con esas películas en cualquier nivel. Hay una razón por la que los últimos cinco minutos de «Jay Kelly» es una de las únicas partes memorables de esa película, al igual que hay una razón por la que «Rental Family» pierde puntos por no utilizar mejor su melaza, y por qué lo más interesante de «The Smashing Machine» es lo cuidadosamente que navega entre el dolor y la estabilidad. Nunca ha sido más importante sentirse vivo para el mundo, especialmente para aquellos de nosotros que estamos más inclinados a estar cerrados, y son las películas que despojan a la gente de su adormecimiento las que están preparadas para dejar la marca más grande este otoño.
Las películas están a la altura del momento
En una nota relacionada, aunque algo perpendicular, también fue revelador ver que varios de los primeros éxitos de la temporada son películas que se ocupan de nuestro momento actual de frente. Eso es más obviamente cierto en «One Battle After Another» de Paul Thomas Anderson, que se impuso en los festivales a pesar de saltarse los tres, y, junto con «Eddington», ofreció la reprimenda más abierta y la disculpa por la sabiduría predominante de que muchos de los mejores cineastas de hoy están más cómodos interactuando con el pasado (más sobre eso la próxima semana). Pero también fue emocionante ver a Yorgos Lanthimos enfrentar el cerebro de la conspiración de la píldora roja y la tecnocracia corporativa con «Bugonia», cuya relevancia para el día presente se hizo aún más pronunciada por el hecho de que es un remake; «Bugonia» podría gustarle el barrido y la inventiva del mejor trabajo de Lanthimos, pero a veces un brillante goteo de aguja de Chappell Roan es todo lo que se necesita para cerrar la brecha entre cualquier número de mundos diferentes.
No tuvo tanta suerte en «No Other Choice» de Park Chan-wook (que favorece las baladas pop coreanas clásicas sobre el tipo moderno estadounidense), pero ninguno de los trabajos del maestro ha dolido tanto como este en la victoria pírrica de sus momentos finales, cuando la violencia de «Looney Tunes» del film se rinde con tristeza a una situación demasiado real. Y mientras que «Wake Up Dead Man» podría carecer de la diversión y el humor de las películas anteriores de «Knives Out» (encontré el misterio en este laborioso, sus roles secundarios principales poco desarrollados, y la presencia de Benoit Blanc frustrantemente ornamental), la película de conjunto de Netflix de Rian Johnson vuelve a la vida cada vez que reenfoca su atención en los fundamentos políticos de su historia, sobre demagogos carismáticos, la cobardía interesada que alimenta su poder, y la absurdidad de la política que los une. La menor de la trilogía de Johnson hace lo más para posicionarla como un tratado coherente en contra de la indecencia del narcisismo trumpiano, y como un testimonio agridulce a la fantasía de resolverlo.
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Especialista en el séptimo arte, Javier Cortés ofrece análisis claros sobre estrenos y obras maestras del cine. Sus recomendaciones te permiten tomar decisiones informadas para tus noches de cine.